7 tips para cualquier fotógrafo

Sin importar el tipo de equipo qué tengas, los siguientes consejos seguro te servirán para hacerte más consciente al momento de realizar fotografía y a mejorar tu portafolio.

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  • Reconoce la luz.

Día o noche, con cámara o sin cámara. Educa tu mirada a reconocer las diferentes fuentes de luz y su trayectoria. Siempre que tengas una cámara en manos, recuerda que fotografía es escribir con luz. Cualquier tipo de cámara captura la luz; algunas son más bonitas, otras más o menos profesionales, pero la esencia es la misma siempre.

Por Luis Marina.
© Luis Marina.
  • Cuida la composición.

Varios maestros podrían darte consejos acerca de cómo equilibrar y cómo hacer una buena composición para fotografía, pero un comienzo básico puede ser la regla de los tercios.

Se trata de imaginar dos líneas verticales y dos horizontales que crucen. Si quieres darle mayor interés a algo en especial, procura situarlo en el punto donde se cruzan las líneas.

©Steve McCurry. Getting there.
©Steve McCurry. Getting there.

Al principio puede ser complicado, y, claro, no es la única ayuda que tendrás para poder tener una fotografía con una buena composición. El truco también es aprender otras técnicas y apoyarte con las que creas necesarias.

  • Busca líneas.

Ve a tu alrededor, identifica qué líneas podrías utilizar para apuntar a tu punto de interés o crear una composición equilibrada. Siempre hay líneas, procura utilizarlas para guiar la mirada del espectador y, de cierta forma, te pueden ayudar a darle un orden a tu fotografía.

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©Steve McCurry
  • El contenido es importante.

Tal vez hayas escuchado que el contenido lo es todo. “Una imagen dice más que mil palabras”. Cierto o no, hacernos las siguientes preguntas antes de hacer click nos ayudan a crear contenido llamativo: ¿Cuál o quién es el sujeto? ¿Es interesante? ¿El encuadre engancha la mirada? ¿Nos cuenta algo?

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©Steve McCurry. India.
  • No descuides el fondo.

Ya teniendo en cuenta el sujeto y lo que quieres fotografiar, no olvides el contexto que envuelve a tu sujeto. ¿Qué está llenando el resto de la toma? ¿Es muy luminoso u oscuro el fondo? ¿Funciona el fondo o se pierde la intención? Si no te convence lo que ves, tal vez baste con girar un poco y ver qué hay más allá.

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©Henry Cartier-Bresson
  • Mira desde otra perspectiva.

De rodillas, pecho tierra, sube a una silla, mira a tus pies…, cualquier posición distinta a la que estés acostumbrado puede darte un nuevo e interesante ángulo. Cualquier situación familiar puede tomar un distinto significado dependiendo de la forma en la que se mire.

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©Vincent Laforet
  • Espera el momento.

El consejo de Henri Cartier-Bresson: “el momento decisivo”, ese instante en el que los eventos se juntan para hacer un buena toma. Ten paciencia y mucha atención. Antes de apresurarte, recuerda que puede haber un momento mágico más adelante. También, puede ayudar hacer un disparo mental y darnos cuenta del momento y el contexto.

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©Henry Cartier-Bresson

Coméntanos si nos hizo falta algo importante (o si nos sobró).

Por Emma Morales

Exposición de Lee Miller-fotógrafa surrealista

“Ella nos habla en un idioma que se conecta a nosotros de manera muy profunda; sus imágenes se traducen perfectamente a cualquier idioma de cualquier lugar del mundo, porque tienen una profundidad muy especial, por lo cual espero que los visitantes puedan conectarse con todos los elementos que Lee Miller quería mostrar: paz, libertad y justicia”

Antony Penrose (hijo de Lee Miller)

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Lee Miller fue retratada por su amante, el fotoperiodista David Sherman, mientras se lavaba en la tina de Hitler.

El museo de arte moderno presenta la obra fotográfica de Lee Miller, fotógrafa estadounidense. Lee Miller es una de las figuras femeninas más importantes que han sido asociadas a la fotografía surrealista del siglo XX. En los años 20 fue una exitosa modelo en Nueva York hasta que fue a Paris y se convirtió en fotógrafa artística. Miller fue alumna, amante y musa de Man Ray , quien influenció decisivamente en su trabajo. Durante la segunda Guerra Mundial Miller ejerció como reportera. Fue la primera fotoperiodista en acceder a los campos de concentración de Dachau y Buchenwald.

La exposición está constituida por 97 obras de Miller haciendo énfasis en su historia artística y tres más de autores contemporáneos. Hay que mencionar que esta es la primera retrospectiva de Lee Miller en México y América latina.

Su obra se puede clasificar en siete categorías que, generalmente, están definidas por el lugar donde tomó las fotografías:

Man Ray: amor y pareja creativa (1929-1932), El estudio en Nueva York (1932-1934), Trabajo independiente en Egipto (1934-1939), Londres bajo las bombas durante la Segunda Guerra Mundial(19391945), La liberación de Europa (1944-1945), Amarga desilusión después de la guerra (1945-1946), y Vida en Inglaterra: artistas y amigos (1946-1964).

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Retrato flotante de Mary Taylor

El 21 de febrero de 2016 será el último día en el que podremos disfrutar de la exposición de Lee Miller en el museo de arte moderno. No te pierdas la exposición de Lee Miller.

Puedes ver parte de su archivo fotográfico en:

http://www.leemiller.co.uk/

Por Irini Vougiouka

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Zona Maco 2016

Zona Maco, la feria más reconocida de arte contemporáneo en América Latina, en está edición 2016 vuelve a reunir a expositores, coleccionistas, y galerías de todo el mundo: 123 galerías de 23 países se concentran en Centro Banamex, ubicado al poniente de la capital del país, a partir del 3 febrero hasta el 7 de febrero.

Siempre acompañada por efervescentes discusiones entre las que prevalecen la validación (o no) de las propuestas presentadas, su seriedad y compromiso con la disciplina que exige hacer arte.

-El arte contemporáneo es la forma socialmente aceptable de mostrar lo patéticos que somos los artistas emergentes…-

Se escucha mientras esperamos en una reducida fila para cruzar la entrada.

 

No es secreto que el arte contemporáneo satisface a un reducido público que sustituye la contemplación por la reflexión, ejercicio de deconstrucción y preponderancia de la abstracción ante el valor que podría poseer por sí misma la obra.

Si bien es cierto que Zona Maco se ha convertido por sí misma en un suceso sociocultural digno de discutirse, es necesario observarlo de cerca, contemplar los procesos que viven ahí, navegarlo cómo experiencia, y recolectar evidencias argumentativas a nuestra postura.

No hay duda, visitar esta feria me abrió la posibilidad de profundizar en las opiniones polarizadas de diversos medios, reafirme sospechas, y surgieron nuevas preguntas.

No esperes más y comienza el diálogo, coméntanos tu experiencia y opiniones acerca de Zona Maco.

Para más información sobre participantes, actividades, y precios visita el sitio oficial de Zona Maco  aquí.

Por Madapale

Bokeh Wall ¿Cómo lograrlo?

Laya Gerlock, fotógrafa de producto y retrato con especialidad en iluminación, ha innovado ingeniosas técnicas que comparte desde hace algunos años publicándolas en la red.

“Después de jugar un rato con las luces de navidad y el bokeh, trate de pensar en un nuevo fondo bokeh.

… hasta que terminé con el uso de un material muy simple que se encuentra en la cocina, dio un resultado increíble. Papel aluminio.”

-Laya Gerlock

El bokeh (desenfoque) es como se denomina al procedimiento en el que exaltamos al sujeto de nuestra toma enfocándolo y difuminando el fondo donde se encuentra dicho sujeto, así el “Bokeh Wall” logra una estética mágica y contrastada por su falta de foco e iluminación.

Lograr esta técnica no es complicado, no necesitamos contar con equipo especial y seguramente podemos encontrar en casa los materiales a ocupar.

Necesitamos lo siguiente:

  • Papel aluminio
  • Objetivo de gran apertura, f/2, f/1.8, f/1.4, f/1…
  • Luces (Continuos o flash)
  • Geles
  • Tijeras
  • Cinta adhesiva

Paso 1: Corta una extensión de papel suficiente para cubrir el fondo.how-to-make-el-bokeh-wall-aluminum-foil-photography-tricks-3

 

Paso 2: Arruga el papel cuanto necesites dependiendo del tamaño de los reflejos que busques, los pliegues serán los que reflejen la luz.how-to-make-el-bokeh-wall-aluminum-foil-photography-tricks-4

 

Paso 3: Extiende el papel teniendo cuidado en no romperlo.how-to-make-el-bokeh-wall-aluminum-foil-photography-tricks-5

 

Paso 4: Pega con cinta el papel sobre el fondo del sujeto.how-to-make-el-bokeh-wall-aluminum-foil-photography-tricks-7

 

Paso 5: Coloca en el flash un gel del color que desees.how-to-make-el-bokeh-wall-aluminum-foil-photography-tricks-9

 

Paso 6: Acomoda el Flash o la luz de forma que ilumine el fondo de papel aluminio.how-to-make-el-bokeh-wall-aluminum-foil-photography-tricks-15

No olvides comentarnos tu experiencia con el Bokeh wall  y comparte tus resultados ¡los publicaremos !

 

Estelas de Luz. Fotografía de Ian Egner.

Seguro te habrás sentido fascinado por esas fotografías en las que las luces de los coches pintan una estela infinita de color a lo largo de la carretera. Sin duda, uno de los elementos más atractivos de la fotografía nocturna son las estelas de luz. Las líneas tienen un valor compositivo muy grande e influyen en la dirección de la mirada del observador. A menudo el cerebro, inconscientemente, lee cerca de líneas continuas entre los diversos elementos y temas en las distancias que varían.

Ian Egner, un fotógrafo inglés profesional especializado en fotografía de moda y de paisajes, captura impresionantes imágenes de luces de coches en movimiento.

Les dejo su link  : motorway light trails photography

Por Irini Vougiouka

Identidad/América Latina: concurso fotografía

Cuando se piensa en América Latina, viene a la mente una cultura arraigada y ancestral, profundamente mezclada con elementos de muchas partes del mundo que aquí convergieron para dar origen a la identidad latinoamericana; en nuestro territorio hay gente y costumbres diversas. Paradójicamente, la variedad –junto con el lenguaje– es uno de los vínculos más estrechos que nuestras naciones comparten. Pero Latinoamérica es mucho más.

¿Cómo dejar esta identidad en imágenes?. Cuartoscuro convoca a fotógrafos de toda Latinoamérica –residentes o no en el continente– a participar en el concurso Identidad / América Latina.

BASES

Podrán participar de manera individual fotógrafos de origen latinoamericano, que residan en el continente o en cualquier otra parte del mundo, así como extranjeros con al menos tres años de residencia en América Latina, con una foto individual o una serie de hasta seis fotografías que muestre su identidad y pertenencia a un lugar.

Las fotos tendrán que haber sido producidas entre 2013 y 2016, por lo que es obligatorio que la imagen –si es digital– cuente con metadatos para verificar la fecha de toma. Las imágenes pueden ser en color o en blanco y negro, mediante cualquier técnica: procesos antiguos, análoga o digital, incluidas las producidas mediante teléfonos.

Aunque se admite retoque digital –sólo para el mejoramiento de la calidad de la imagen: niveles, contraste, color, saturación, y filtros de brillo y nitidez–, no está permitida la manipulación, es decir, no se pueden eliminar ni agregar elementos a la toma original. Los participantes deberán poner correctamente sus datos de inscripción.

Los fotógrafos interesados podrán registrar más de una serie, pagando la cuota correspondiente y cada una debe tener su número de registro en www.cuartoscuro.com/concurso2016

RECEPCIÓN

Cada participante mexicano depositará una cuota de recuperación de 100 pesos (cien pesos 00/100 m.n.) o de 7 dólares usd para los residentes en otros países, por cada foto individual o por una serie, a la cuenta de la Fundación Pedro Valtierra, ac, 0165488729, clabe interbancaria 012930001654887299 bbva Bancomer. swift: bcmrmxmmxxx.

Es importante conservar la ficha de depósito o el comprobante de la transferencia pues deberá adjuntarse a los demás requisitos de inscripción. Los participantes deberán ingresar a www.cuartoscuro.com/concursos y seguir el proceso de registro una vez realizado el pago de recuperación.

Los participantes subirán las imágenes en formato jpg a 72 dpi de resolución x 1500 pixeles en su lado más largo incluyendo una descripción del trabajo de alrededor de mil caracteres. Deberán identificar cada imagen con su nombre y el número de foto, por ejemplo: luzdemitierra_01.jpg.

Nota: Los participantes conservarán los archivos originales en 300 dpi y 4 mil pixeles, mínimo, en su lado más corto. Los trabajos que no cumplan con los requisitos y la inclusión del comprobante de pago no podrán participar.

La convocatoria queda abierta a partir de la publicación y cierra el viernes 29 de abril de 2016. Al participar, los fotógrafos manifiestan su conformidad con las bases de esta convocatoria y autorizan a los organizadores el uso de sus imágenes con fines promocionales y de exhibición, sin afectar sus derechos de autor

EL JURADO

Estará integrado por profesionales de la fotografía que calificarán la calidad conceptual y técnica de la imagen. Su decisión será inapelable. Cualquier imprevisto en la presente convocatoria quedará a criterio de los organizadores y miembros del jurado. Se seleccionarán las imágenes de los 10 finalistas para exhibirse durante la entrega de premios.

Los resultados se darán a conocer el miércoles 1º de junio de 2016 en www.cuartoscuro.com y www.cuartoscuro.com.mx.

PREMIOS

Primer lugar: equipo fotográfico Nikon d750 24–120 mm; 50 mil pesos y publicación en Cuartoscuro.

Segundo lugar: equipo fotográfico Nikon d610 24–85 mm; 30 mil pesos y publicación en Cuartoscuro.

Tercer lugar: equipo fotográfico Nikon d7200 18–140 mm; 20 mil pesos y publicación en Cuartoscuro.

Los premios y la exhibición se realizará el viernes 24 junio de 2016 a las 19:00 horas en el marco de la exposición de la selección de las fotos de los 10 finalistas, incluyendo a los ganadores, en el Museo Archivo de la Fotografía. También se entregará el Premio a la Trayectoria Cuartoscuro 2016, consistente en una cámara de plata, a la persona o institución que haya colaborado activamente en la difusión, enseñanza o a la innovación de la fotografía durante los últimos años.

Más información en identidadlatinoamerica2016@cuartoscuro.com

Del día a la noche en una fotografía.

La fotografía mencionada por National Geographic fue tomada en Serengeti, al norte de Tanzania, mostrando los animales que visitan el mismo arroyo durante 26 horas.

Las increíbles composiciones de Stephen Wilkes forman parte del proyecto “Day to night” que muestra varios lugares mostrando sus actividades desde el amanecer hasta el anochecer. Desde una inmensa vista en África, hasta la vida cotidiana cerca de la torre Eiffel en París.

Torre Eiffel, Paris. Por Stephen Wilkes.
Torre Eiffel, Paris. Por Stephen Wilkes.

“Una vez ya infectado (por el paisaje), la belleza de lo que estoy haciendo lo supera todo. Cualquiera que mi miedo sea, una vez que veo la escena a través del lente, todo cambia. Me desconecto de todo lo que sea la realidad física.”

Las fotografías de las diferentes locaciones fueron tomadas en un lapso de tiempo de 16 a 30 horas. Wilkes y su asistente pasaron desde estar en tierra firme, hasta a una plataforma o a la rama de un árbol. Todos los disparos eran manuales, durante el transcurso del día tenía que mantener su horizonte recto y cuidar cualquier detalle. Después del click no había vuelta atrás.

Ninguno de los dos tomó descansos, sólo dejaban de tomar fotografías para respaldar el material. Wilkes analizaba el paisaje y se adelantaba al día para poder tomar el siguiente cuadro. La pasión por eternizar la belleza del paisaje en una sólo fotografía lo hacía seguir sin incertidumbres.

Las fotografías en todas las locaciones fueron con una cámara digital de 4×5 y después, tomando semanas de edición, se combinaron formando un solo cuadro. Para cada fotografía toma aproximadamente 1,500 disparos. Después de las horas de trabajo en la locación, selecciona de todas las tomas las que formarán parte de la fotografía final.

Puedes ver más de su trabajo en su página o redes sociales.

 

Por Emma Morales.

Al hacer foto, te revelas

¿Qué podría decir del fotógrafo el que haya más fotos de noche que de día? Que por alguna razón las fotografías tienen más tonalidades azules, cualquiera sea el contexto, o que haya más espaldas o siluetas que rostros de personas, más animales que personas, más edificios que parques. ¿Podría contarnos las fotografías de alguien su modo de vivir, o mejor dicho, su modo de ver?

¿Sería posible afirmar que las fotografías dejan todo, menos imagen? Más allá de las intenciones inmediatas del fotógrafo, podríamos encontrar un trasfondo social.

Autoretrato. Vivian Maier.
Autoretrato. Vivian Maier.

Existe una interiorización antes de realizar el proceso mecánico de tomar una fotografía. El deseo de fotografiar se envuelve de lo vivido, de condiciones sociales y sentimientos que se expresan a través de un click.

Aquella fotografía que dejaste arrumbada sin querer mostrársela a nadie, seguramente se repitió unas cuantas veces más; traicionándo tu inconsciente, la subjetividad haciendo que lo repitas.

Se trata de observar, analizar y encontrar los significados detrás de la búsqueda estética.

No se necesita ser un experto en cámaras para hacer una foto. Se ha vuelto tan accesible que cualquiera podría tomar fotos. El entorno se convierte en una infinidad de posibilidades por fotografiar. Todo lo que ves a tu alrededor mientras lees esto, podría ser “fotografiable”. A pesar, de todas las opciones sólo hay unas pocas (o una) que realmente te gustaría fijar.

“El artista –dice Nietzsche– elige sus sujetos: ésa es su manera de alabar.” No es por azar o por esa fantasía individual (como plantea Bourdieu) por lo que decides al momento de presionar y congelar. Dentro de todas las posibles composiciones en ese momento lo que realmente se revela es aquél detrás de la cámara.

Autoretrato. Vivian Maier.
Autoretrato. Vivian Maier.

¿Qué dicen de ti tus fotografías?

Por Emma Morales.

Secretos detrás del tiempo: Fotografía de larga exposición

Kirílov: – El tiempo no es una cosa, es una idea: se diluirá en la mente.

-Fiódor Dostoievski, Los poseídos, II, 5

Ojo, objeto y objetivo, trinidad que traza la búsqueda natural de la fotografía: Registrar nuestra existencia a través del tiempo.

La fotografía de larga exposición es un camino más que nos permite recoger estas evidencias de tiempo que no somos capaces de percibir a simple vista, resultando imágenes sublimes con flujos por los que es inevitable deslizar la mirada por sus distintivas texturas.

293:365- Piedras sobre cristal293/365: Piedras sobre cristal/Andrés Nieto Porras

Los resultados que alcanzamos con esta técnica se revelan ante el espectador como uno de los secretos guardados celosamente por el tiempo trayendo consigo la sensación de estar más cerca de una certeza.

Existe una gran diversidad de trabajos con está técnica en paisajes, sin embargo no es regla y podemos practicarla en cualquier categoría siendo consientes de los sacrificios en la imagen que conlleva y también en las perspectivas que se ganan.

Lutz 001/ Der Liebenden Schlaf/ Paul Schneggenburger/ Agentur Anzenberger

Serie “El sueño del Amado” por  Paul Schneggenburger

Para explorar las posibilidades de la larga exposición es recomendable que hagas uso de:

  • Trípode. Le dará mayor estabilidad a la cámara

  • Parasol (Hood). Evitara la luz lateral indeseada
  • Filtro de densidad neutra (ND). Reducirá la cantidad de luz que recibe el sensor de la cámara
  • Disparador remoto. Evitará la vibración al disparar

*Recuerda trabajar con el ISO más bajo posible y un diafragma cerrado

Por Madapale

Como conseguir un fondo negro en tus fotografías

El fondo negro contrasta mucho la imagen y resalta el objeto fotografiado. ¿Cómo podemos conseguir una fotografía con fondo negro cuando en la escena original el fondo puede no ser de este color?

La técnica se llama el fondo negro invisible y fue desarrollada por el fotógrafo Glyn Dewis. La única fuente de iluminación es el flash.

Los pasos para conseguir un fondo negro son sencillos:

  1. Ajusta tu cámara y el flash en modo manual.
  2. Selecciona una apertura pequeña, el ISO bajo más bajo posible y una velocidad de obturación de 1/250 -o la adecuada a tu cámara para sincronizar con el flash.
  3. Cambia la apertura a un número f más alto hasta conseguir una imagen completamente negra. Lo que tienes que buscar es una toma completamente subexpuesta, sin ningún tipo de información.
  4. Dirige el flash hacia un paraguas y sitúalo cerca del sujeto a fotografiar, para poder controlar mejor la cantidad de luz que lo ilumina.
  5. Selecciona la intensidad máxima que te proporcione el flash para realizar una prueba de iluminación. En días muy luminosos, es probable que necesites un flash bastante potente, o la combinación de varias unidades para poder obtener el efecto.

Aquí puedes ver más sobre la técnica de Glyn:

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Por Irini Vougiouka